Catégorie : Co-éditions internationales

Tumultos, una pieza francesa de Marion AUBERT
Traducción Jesús David Curbelo
Casa Editorial Tablas-Alarcos, CUBA, 2022

Camino a una colección cubana de teatro francés actual

Iniciar una nueva colección dedicada a la dramaturgia francesa del siglo xxi es un sueño que constituye una verdadera fuente de alegría. Alegría y preocupación a la vez, a la hora de compartir con los lectores y lectoras en Cuba una muestra de aquella riqueza nacida en la lengua de Molière. Una filiación siempre complicada cuando se refiere al texto dramático, en un momento donde la textualidad tiende a nacer desde el escenario mismo y menos desde el folio. Esto, en cuanto a la producción teatral, que no es más ni menos que un circuito económico que manda estas orientaciones estéticas, asentadas con el teatro post-dramático.¹ Por eso, esta colaboración entre Tablas-Alarcos y Actualités Éditions nace desde la traducción textual, desde el lenguaje, con el fin de ser actuado más adelante por unos cuerpos actorales con el abanico expresivo que conllevan. Pero la traducción es central y construye en sí misma, un espacio poético también.

La iniciativa nace desde Actualités Éditions, sello editorial independiente francés dedicado a las dramaturgias hispanófonas cuyo cometido radica en difundir las dramaturgias hispanófonas en su diversidad. Constituye una referencia en cuanto a la especificidad de cada país hispanófono en lengua francesa. De allí nació la colección cubana en el 2019, Les Façonneurs cuya reciprocidad se plasma hoy con este texto en Tablas-Alarcos y su rica receptividad. Ambos han sido posibles por el apoyo del servicio cultural de la embajada de Francia en Cuba, a quien se agradece. Intentar proponer un panorama de la dramaturgia actual sería muy presumido, y prefiero dar a conocer más bien las pautas que van a delimitar nuestro interés por aquella.

Quisiera recordar primero que la propuesta anhela compartir con el público cubano e hispanófono la diversidad en cuanto a las formas dramatúrgicas de ahora. Mucho más allá de las supuestas modas escénicas, el impulso de esta colección radica en la capacidad del teatro para observar lo real y transformarlo en un hecho estético desde la escritura. Por tanto, la pauta de trabajo será siempre la del lenguaje escrito: dar a conocer poetas teatrales tal y como el maestro Antoine Vitez lo define, es decir, el doble juego entre lo falso y lo verdadero. En cada texto, el énfasis se hace en el lenguaje, entendido como protagonista. Este protagonismo estético atribuye a los personajes el estatus de actantes que juegan con, y adentro, del lenguaje. Se disfrazan con ello. El escenario se convierte no tanto en reflejo de alguna realidad, sino que constituye el lugar de observación de la relación que mantienen cada personaje o voz con el lenguaje mismo, tanto el fático como el más poético. De hecho, siempre se percibe una catástrofe en estos textos. La katastrophê griega era, al final, la resolución de la tragedia, su quinta y última parte. Hemos escogido esta dimensión como criterio de selección principal.

A esta primera pauta habría que agregar la imprescindible dramaticidad de esos textos. En ellos se desintegra el lenguaje dentro de cada locución verbal, y por esto mismo obliga a cada actor y actriz a intervenir sobre el escenario con su cuerpo, dando forma y movilidad al conflicto dramático que alberga el texto en sí-mismo.

Por tanto, la palabra ya no sirve tanto al relato sino para mover, promover, un imaginario que nos trasciende para salir de sus escondites cuando un equipo artístico empieza a trabajar, pero mucho antes cuando un lector implicado lee un texto, y sobre todo cuando un traductor que traduce desde el lenguaje mismo, no desde su ficción, pues percibe primero aquella masa de materiales significantes, sin forma ninguna, y todavía sin significado.

Precisamente, el cuarto punto se refiere al dispositivo dramatúrgico que estable el poeta dramático para que todo este imaginario cobre un sentido determinado, produzca signos y significados desde el ritmo. A partir de allí, se puede trabajar y definir el arte del teatro como un arte imprescindible en el mundo social desde siempre. Y afirmar que el texto en el teatro sigue vivo.

Aunque no pretendemos identificar ninguna temática de mayor interés, sí nos parece relevante apuntar que nos interesaremos más, en el marco de dicha colección, en la dimensión que se le da a la figura de héroe, pero también en el tratamiento de los mitos clásicos, y en el detalle, el fragmento como característica textual. Este último con la idea de vincular los textos a las artes plásticas o musicales contemporáneas, y hacer de ello un laboratorio vivo y abierto.

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Tumultos, Una pieza francesa 1

Sinopsis

Excesivamente asustados por el estado del mundo, unos jóvenes actores de la Comédie de Saint Etienne, toman la decisión de preparar una revolución. Se preguntan sobre cómo, cuando, porqué, para qué, se hunden en ella, y se pierden entre miedos, herencias, un deseo enorme para emanciparse del sistema, pero siempre vuelven a lo mismo: ninguna salida, porque estamos todos encerrados en el lenguaje y su ritmo.

Cada personaje termina cayéndose de sí-mismo, no consigue dominar lo real, o bien porque no sabe cómo hacerlo o bien porque es imposible hacerlo. Este texto, que podría parecer una comedia, y en algún aspecto lo es en la medida que el juego con el lenguaje es disfuncional, cada uno termina teniendo una vida minúscula, donde está encerrado y de la cual ya no consigue salir. Los personajes están hechos por el lenguaje como material dramático. Además, nos conduce a reflexionar sobre el deseo entendí como posible motor del cambio, sea personal o colectivo.

El tratamiento que se le da a los personajes puede parecer, a priori, realista, pero poco a poco el conflicto dramático sobre la imposibilidad de llevar a cabo una revolución, ya sea por motivos personales o más bien vinculados con la sociedad capitalista quien lo paraliza todo, y a todos, pues los héroes rápidamente son pequeños, ya no son modelos, son casi reflejos de ellos mismos. Con este procedimiento, Marion Aubert intenta humanizarlos, no estropearlos, darles por los menos la humanidad que se merece cada ser humano. Nos propone un espacio intermedio, pero en tensión, entre el héroe y el anti-héroe. Allí, es un espacio de comicidad, una vía cómica, con el fin de liberarnos, de acercarnos a ellos. Este hiato es una aproximación de la noción de personaje muy característica en torno a la revolución que nos planteó Stanislavski en su concepto de personaje. Por esto, este texto inicia esta colección. Para volver a buscar nuestra vitalidad en nosotros mismos, y la del teatro y del mundo. Aquel gran teatro del mundo que mira hacia los demás para que nos veamos desde otro lugar.

David Ferré

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Biografia Marion Aubert

Marion Aubert est écrivaine dramaturge, comédienne, pédagogue et coresponsable du département d’écriture de l’ENSATT. Elle codirige la Cie Tire pas la Nappe avec Marion Guerrero (www.tirepaslanappe.com). La plupart de ses textes sont édités chez Actes-Sud Papiers, certains sont traduits en allemand, italien, tchèque, anglais et portugais.

1^ El Teatro post-dramático de Hans-Thies Lehman, ed. Paso de Gato, traducción de Traducción de Diana González, 2013

La cuidad abierta, de Samuel GALLET
Traducción Jesús David Curbelo
Casa Editorial Tablas-Alarcos, CUBA, 2022

Camino a una colección cubana de teatro francés actual
Iniciar una nueva colección dedicada a la dramaturgia francesa del siglo xxi es un sueño que constituye una verdadera fuente de alegría. Alegría y preocupación a la vez, a la hora de compartir con los lectores y lectoras en Cuba una muestra de aquella riqueza nacida en la lengua de Molière. Una filiación siempre complicada cuando se refiere al texto dramático, en un momento donde la textualidad tiende a nacer desde el escenario mismo y menos desde el folio. Esto, en cuanto a la producción teatral, que no es más ni menos que un circuito económico que manda estas orientaciones estéticas, asentadas con el teatro post-dramático. Por eso, esta colaboración entre Tablas-Alarcos y Actualités Éditions nace desde la traducción textual, desde el lenguaje, con el fin de ser actuado más adelante por unos cuerpos actorales con el abanico expresivo que conllevan. Pero la traducción es central y construye en sí misma, un espacio poético también.
La iniciativa nace desde Actualités Éditions, sello editorial independiente francés dedicado a las dramaturgias hispanófonas cuyo cometido radica en difundir las dramaturgias hispanófonas en su diversidad. Constituye una referencia en cuanto a la especificidad de cada país hispanófono en lengua francesa. De allí nació la colección cubana en el 2019, Les Façonneurs cuya reciprocidad se plasma hoy con este texto en Tablas-Alarcos y su rica receptividad. Ambos han sido posibles por el apoyo del servicio cultural de la embajada de Francia en Cuba, a quien se agradece. Intentar proponer un panorama de la dramaturgia actual sería muy presumido, y prefiero dar a conocer más bien las pautas que van a delimitar nuestro interés por aquella.
Quisiera recordar primero que la propuesta anhela compartir con el público cubano e hispanófono la diversidad en cuanto a las formas dramatúrgicas de ahora. Mucho más allá de las supuestas modas escénicas, el impulso de esta colección radica en la capacidad del teatro para observar lo real y transformarlo en un hecho estético desde la escritura. Por tanto, la pauta de trabajo será siempre la del lenguaje escrito: dar a conocer poetas teatrales tal y como el maestro Antoine Vitez lo define, es decir, el doble juego entre lo falso y lo verdadero. En cada texto, el énfasis se hace en el lenguaje, entendido como protagonista. Este protagonismo estético atribuye a los personajes el estatus de actantes que juegan con, y adentro, del lenguaje. Se disfrazan con ello. El escenario se convierte no tanto en reflejo de alguna realidad, sino que constituye el lugar de observación de la relación que mantienen cada personaje o voz con el lenguaje mismo, tanto el fático como el más poético. De hecho, siempre se percibe una catástrofe en estos textos. La katastrophê griega era, al final, la resolución de la tragedia, su quinta y última parte. Hemos escogido esta dimensión como criterio de selección principal.
A esta primera pauta habría que agregar la imprescindible dramaticidad de esos textos. En ellos se desintegra el lenguaje dentro de cada locución verbal, y por esto mismo obliga a cada actor y actriz a intervenir sobre el escenario con su cuerpo, dando forma y movilidad al conflicto dramático que alberga el texto en sí-mismo.
Por tanto, la palabra ya no sirve tanto al relato sino para mover, promover, un imaginario que nos trasciende para salir de sus escondites cuando un equipo artístico empieza a trabajar, pero mucho antes cuando un lector implicado lee un texto, y sobre todo cuando un traductor que traduce desde el lenguaje mismo, no desde su ficción, pues percibe primero aquella masa de materiales significantes, sin forma ninguna, y todavía sin significado.
Precisamente, el cuarto punto se refiere al dispositivo dramatúrgico que estable el poeta dramático para que todo este imaginario cobre un sentido determinado, produzca signos y significados desde el ritmo. A partir de allí, se puede trabajar y definir el arte del teatro como un arte imprescindible en el mundo social desde siempre. Y afirmar que el texto en el teatro sigue vivo.
Aunque no pretendemos identificar ninguna temática de mayor interés, sí nos parece relevante apuntar que nos interesaremos más, en el marco de dicha colección, en la dimensión que se le da a la figura de héroe, pero también en el tratamiento de los mitos clásicos, y en el detalle, el fragmento como característica textual. Este último con la idea de vincular los textos a las artes plásticas o musicales contemporáneas, y hacer de ello un laboratorio vivo y abierto.

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La ciudad abierta nos propone une lectura del mito del Tirano de Siracusa. Tres mujeres que no se conocen sufren del mismo mal: viven con una espada de Damocles encima. Al no tener la capacidad de luchar frente al estado del mundo, se refugian en el sueño para escapar de sus fracasos profesionales, amorosos o sociales. Aquel mundo onírico les permite plasmar la fabulazione de una ciudad abierta, donde reina el todopoderoso Damocles, para penetrar este espacio protegido por el poder y la decadencia absoluta, la locura y la estupidez, pues este grupo de mujeres, ya abandonadas en carpas alrededor de la cuidad, van a inventarse una estrategia para matar en su propia recámara al tirano.
Este texto tiene mucho que ver con el caballo de Troya. Primero porque para vencer la dominación de un poder injusto, la dramaturgia propuesta lidia con la cuidad cerrada para penetrar adentro. Segundo, porque, precisamente, la escritura poética del autor contrasta con la realidad, y en tanto y como espacio onírico, permite desviarnos de la realidad, destruirla. Jugando con la tensión entre centro (el poder) y afueras (las mujeres en su campamento), nos plantea desde el teatro la duplicidad que organiza el mundo político e histórico, así como la que nos constituye frente a nuestras dudas. Enfrentando el onirismo con la realidad social, construye un lenguaje dinámico y contrastado para inyectar un nuevo soplo a nuestra vitalidad.
También, destaca la referencia a la obra de Paul Claudel, La Ville, por la intriga, así como el enfoque que se le da al lenguaje. Gallet aparece como un poeta de gran importancia en el espacio teatral actual, con lenguajes capaces de chocarse y despertarnos, así como animar nuestro deseo de vida. Producir y a la par jugar con el imaginario desde el onirismo, para llegar hasta la realidad, es la estrategia dramatúrgica que organiza el texto de Gallet. Una de las características de su trabajo artístico hoy día tiene que ver con el catastrofismo general, sea sanitario, político o económico. Desde esta realidad, investiga territorios determinados (como la cuidad de Eskandar) para desvelarnos las posibilidades que tenemos para seguir de pie, y seguir caminando.

David Ferré
Paris, el 15 de octubre del 2022

Poings est un combat pour le ressaisissement de soi. Ce sont cinq moments d’une histoire d’amour toxique, de la rencontre à la rupture, retraversés par une femme en état de choc qui cherche à trouver un sens à ce qu’elle a vécu.

Pauline Peyrade est autrice, metteuse en scène et depuis 2019 co-responsable du département Ecrivains-Dramaturges de l’ENSATT avec Samuel Gallet. Parmi ses textes, 0615 (2014) a été mis en ondes sur France Culture par Christophe Hocké (finaliste du Prix Italia 2017) ; Ctrl-X (2016) mis en scène par Cyril Teste en 2016 et finaliste du Prix Bernard-Marie Koltès en 2017 ; Bois Impériaux (2016) créé par le Collectif Das Plateau en 2018. En 2015, elle présente un Sujet à Vif au Festival d’Avignon avec la circassienne Justine Berthillot et fonde avec elle la #CiE. Elles créent le texte Poings en 2018 (Le Préau – CDN de Vire, Les Subsistances). Poings a été finaliste du Grand Prix de Littérature Artcena et Lauréat Prix Bernard-Marie Kotlès en 2018. La même année, Portrait d’une sirène est présenté aux Rencontres d’été de La Chartreuse – centre national des écritures du spectacle.

Elle participe aux rencontres d’écritures européennes de la Sala Beckett (2014, 2018) et Interplay Europe (tutrice, 2016), puis rejoint les programmes Fabula Mundi en 2017 et Pleins Feux Brésil (Comédie de Saint-Étienne, La Colline) en 2018. Elle est autrice associée au Théâtre des Ilets – CDN de Montluçon (2016-2019), au Théâtre POCHE /GVE à Genève (dramaturge de saison 2016-2017) puis aux Scènes du Jura – scène nationale (2018-2019) et à la Scène nationale du Mans (à partir de 2019).

Ses textes sont traduits en anglais, allemand, espagnol, portugais, catalan, italien, tchèque. Ils sont publiés aux Solitaires Intempestifs.